(Crítica realizada para el Diplomado en Apreciación Cinematografica, 2do semestre 2008, Escuela de Cine de Chile)
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Sunday, July 05, 2009
Sunday, May 10, 2009
“A veces las cosas que nos separan, son las que mas nos unen”.
El cine italiano tuvo su máximo esplendor en los años cuarenta y cincuenta, cuando después de la segunda guerra y tras el desplomé político del fascismo en Italia, con los estudios de filmación en el suelo, a los cineastas italianos no les quedó otra que salir a filmar historias verdaderas a la calle, con actores amateurs y utilizando los paisajes naturales y las villas en reconstrucción como único set disponible para la grabación, es en este periodo fructífero donde nombres como De Sica, Antonioni, Visconti y Fellini, cimentaron las bases de lo que se llamo el Neorrealismo Italiano, género cinematográfico que abordaba historias simples de ciudadanos anónimos en villorrios alicaídos por la pobreza y su eterna sobrevivencia.
“Mi hermano es hijo único”, cinta dirigida por Daniele Luchetti, viene a ser parte de un grupo de películas italianas recientes que de alguna forma han vuelto a las temáticas narrativas del neorrealismo aceptando en cierta forma el ritmo vertiginoso de narrar impuesto por el Hollywood de los ultimas décadas.
“Mi hermano es hijo único”, cinta basada en la novela “El Fasciocomunista” de Antonio Pennachi, cuenta la historia de Accio y Manrico Benassi, dos hermanos pertenecientes a una atribulada familia italiana de comienzos de los sesenta, heredera como tantas otras de las promesas propagandísticas del fascismo y de las penurias y miserias de la post-guerra.
Accio (arisco en italiano) es un adolescente seminarista, solitario e iracundo, con gusto por las letras y un febril apego por el fascismo, movimiento derrotado y minoritario entre la población, que junto con su despertar sexual y una profunda crisis de fe opta por dejar sus estudios religiosos y volver a la casa de su indiferente familia en Latina, ciudad creada por Mussolini a la rápida en el sur de Italia y que ya a comienzos de los sesenta, época en la que comienza la historia, muestra sus paredes resquebrajándose alimentando los padecimientos de sus habitantes y la promesa de una distante casa propia digna.
Manrico, por su parte, es el hermano mayor, un joven mimado, carismático y apuesto con las chicas, mentiroso y con un claro interés por el comunismo, las barreras que separan a ambos hermanos además de la edad es el carácter y sobretodo sus ideales políticos tan distantes entre sí, sumados a la aparición de Francesca una joven estudiante pareja de Manrico que termina encontrando en el solitario Accio a un amigo de esos que hay pocos.
Delicadamente, pero no de forma cómoda, la cinta muestra el devenir social de Latina en los convulsionados sesentas, como bajo los pies de sus habitantes Italia se mueve con quiebres sociales y políticos como son Vietnam, la radicalización de la izquierda y Mayo del 68, sus huelgas y manifestaciones políticas mostrando irónicamente la bestialidad absurda de los fascistas y la errática benevolencia de los comunistas. La trascendencia emotiva a través de cómo interactúan estos dos hermanos en la película logra envolver, con ese halo de cariño no demostrado que suelen tener los hermanos, las dos décadas que abarca, como Accio comienza a desilusionarse primero de su fe, luego de su enmohecido palabrerío pro-Il Duce, para terminar luchando casi por los mismos ideales intrínsecos de su hermano mayor pero quizás desde la vereda del frente, si se quiere.
Como tantos otros, estos personajes de convicciones arraigadas en lo profundo, fanatismos infranqueables, aquellos que entienden solo la mitad de las cosas, protagonistas de historias tragicómicas que representan el corazón de la mejor comedia italiana, esa de perdedores a la deriva con grandes frustraciones, nos enseñan que aun así pueden llegar a ser felices.
“Mi hermano es hijo único”, cinta dirigida por Daniele Luchetti, viene a ser parte de un grupo de películas italianas recientes que de alguna forma han vuelto a las temáticas narrativas del neorrealismo aceptando en cierta forma el ritmo vertiginoso de narrar impuesto por el Hollywood de los ultimas décadas.
“Mi hermano es hijo único”, cinta basada en la novela “El Fasciocomunista” de Antonio Pennachi, cuenta la historia de Accio y Manrico Benassi, dos hermanos pertenecientes a una atribulada familia italiana de comienzos de los sesenta, heredera como tantas otras de las promesas propagandísticas del fascismo y de las penurias y miserias de la post-guerra.
Accio (arisco en italiano) es un adolescente seminarista, solitario e iracundo, con gusto por las letras y un febril apego por el fascismo, movimiento derrotado y minoritario entre la población, que junto con su despertar sexual y una profunda crisis de fe opta por dejar sus estudios religiosos y volver a la casa de su indiferente familia en Latina, ciudad creada por Mussolini a la rápida en el sur de Italia y que ya a comienzos de los sesenta, época en la que comienza la historia, muestra sus paredes resquebrajándose alimentando los padecimientos de sus habitantes y la promesa de una distante casa propia digna.
Manrico, por su parte, es el hermano mayor, un joven mimado, carismático y apuesto con las chicas, mentiroso y con un claro interés por el comunismo, las barreras que separan a ambos hermanos además de la edad es el carácter y sobretodo sus ideales políticos tan distantes entre sí, sumados a la aparición de Francesca una joven estudiante pareja de Manrico que termina encontrando en el solitario Accio a un amigo de esos que hay pocos.
Delicadamente, pero no de forma cómoda, la cinta muestra el devenir social de Latina en los convulsionados sesentas, como bajo los pies de sus habitantes Italia se mueve con quiebres sociales y políticos como son Vietnam, la radicalización de la izquierda y Mayo del 68, sus huelgas y manifestaciones políticas mostrando irónicamente la bestialidad absurda de los fascistas y la errática benevolencia de los comunistas. La trascendencia emotiva a través de cómo interactúan estos dos hermanos en la película logra envolver, con ese halo de cariño no demostrado que suelen tener los hermanos, las dos décadas que abarca, como Accio comienza a desilusionarse primero de su fe, luego de su enmohecido palabrerío pro-Il Duce, para terminar luchando casi por los mismos ideales intrínsecos de su hermano mayor pero quizás desde la vereda del frente, si se quiere.
Como tantos otros, estos personajes de convicciones arraigadas en lo profundo, fanatismos infranqueables, aquellos que entienden solo la mitad de las cosas, protagonistas de historias tragicómicas que representan el corazón de la mejor comedia italiana, esa de perdedores a la deriva con grandes frustraciones, nos enseñan que aun así pueden llegar a ser felices.
Tuesday, March 31, 2009
Milk....
Después de un largo camino por el cine menos comercial, Gus van Sant es uno de los pocos cineastas norteamericanos que ha logrado encontrar cierto equilibrio entre trabajos más personales y otros de franca aceptación comercial. “Mi nombre es Harvey Milk”, último trabajo de Gus van Sant, podría corresponder a esta ultima categoría, claro que aportando calidad, atributo que a veces se hace un poco esquivo en el mainstream hollywoodense.
“Mi nombre es Harvey Milk”, que en Chile se estrenó sólo como “Milk”, basada en hechos reales, narra la historia del primer ciudadano gay en ocupar un cargo público elegido democráticamente. Sean Penn, interpretando a Milk, actuación sólida que lo llevó a ganar el ultimo Oscar al mejor actor, nos muestra la etapa de la vida del personaje correspondiente a su difícil camino al cargo público que lo inmortalizó como bastión de lucha en la batalla del mundo gay por ser considerado dentro de la sociedad conservadora, intolerante y extremadamente católica-irlandesa que mayoritariamente caracterizaba al barrio de Castro en el San Francisco de los 70´s donde se ambienta la película. Batalla que se extiende en el tiempo y expande por todo el orbe.
La película, en un formato narrativo con tintes autobiográficos y de documental, una ambientación histórica y vestuario notables, logra plasmar como la población homosexual es ninguneada y abiertamente acusada de las mas atroces calamidades por el resto del pueblo que no los quieren ahí producto del desconocimiento y la ignorancia. La eterna lucha que han brindado las minorías a través del tiempo y en todo el mundo reciben un espaldarazo al traer al conocimiento masivo la historia de este hombre que con tesón y perseverancia logró derrotar los prejuicios existentes y hacer historia convirtiéndose en un modelo de lucha para nuevas generaciones y para nuevas minorías que reciben una muralla insondable en un su desarrollo y desenvolvimiento social.
La intolerancia, mal tan conocido en la sociedad hasta estos días, sigue siendo el fruto de la ignorancia y el miedo a lo desconocido que ensordece a las personas, el miedo a reconocer nuevas ideas que necesiten reestructurar el modelo ya existente, el status quo cómodo y simple que no necesita mas preguntas y que la sociedad tiende a alimentar con su aceptación total.
La libertad de expresión ante todo es uno de los derechos elementales del hombre como ente social, y si esta libertad se hace desde estados de conducta distintos a los establecidos y aceptados por la sociedad no hacen mas que aportar nuevos puntos de vista, nuevas ideas provenientes de otras realidades tan válidas como la nuestra, la suya, la de ellos y la de muchos otros que como Harvey Milk solo quieren ser escuchados.
“Mi nombre es Harvey Milk”, que en Chile se estrenó sólo como “Milk”, basada en hechos reales, narra la historia del primer ciudadano gay en ocupar un cargo público elegido democráticamente. Sean Penn, interpretando a Milk, actuación sólida que lo llevó a ganar el ultimo Oscar al mejor actor, nos muestra la etapa de la vida del personaje correspondiente a su difícil camino al cargo público que lo inmortalizó como bastión de lucha en la batalla del mundo gay por ser considerado dentro de la sociedad conservadora, intolerante y extremadamente católica-irlandesa que mayoritariamente caracterizaba al barrio de Castro en el San Francisco de los 70´s donde se ambienta la película. Batalla que se extiende en el tiempo y expande por todo el orbe.
La película, en un formato narrativo con tintes autobiográficos y de documental, una ambientación histórica y vestuario notables, logra plasmar como la población homosexual es ninguneada y abiertamente acusada de las mas atroces calamidades por el resto del pueblo que no los quieren ahí producto del desconocimiento y la ignorancia. La eterna lucha que han brindado las minorías a través del tiempo y en todo el mundo reciben un espaldarazo al traer al conocimiento masivo la historia de este hombre que con tesón y perseverancia logró derrotar los prejuicios existentes y hacer historia convirtiéndose en un modelo de lucha para nuevas generaciones y para nuevas minorías que reciben una muralla insondable en un su desarrollo y desenvolvimiento social.
La intolerancia, mal tan conocido en la sociedad hasta estos días, sigue siendo el fruto de la ignorancia y el miedo a lo desconocido que ensordece a las personas, el miedo a reconocer nuevas ideas que necesiten reestructurar el modelo ya existente, el status quo cómodo y simple que no necesita mas preguntas y que la sociedad tiende a alimentar con su aceptación total.
La libertad de expresión ante todo es uno de los derechos elementales del hombre como ente social, y si esta libertad se hace desde estados de conducta distintos a los establecidos y aceptados por la sociedad no hacen mas que aportar nuevos puntos de vista, nuevas ideas provenientes de otras realidades tan válidas como la nuestra, la suya, la de ellos y la de muchos otros que como Harvey Milk solo quieren ser escuchados.
Sunday, March 22, 2009
Madre hay una sola....hijos no, pero si únicos.
(Publicado en Intercomunicados, edición del 20-03-09. Acá el Writer`s Cut).La fortaleza de cada quien surge en los momentos de más aflicción, el ímpetu y el coraje para enfrentarse a enemigos de gran talla sólo se genera ante situaciones de gran angustia producto de pesares inconmensurables o injusticias desmedidas.
Para Christine Collins la cosa no fue distinta. Basado en un hecho verídico ocurrido en 1928, “El Sustituto”, narra la historia de Collins, interpretada por Angelina Jolie, una joven madre soltera que trabaja como supervisora en la compañía de teléfonos de California, quien luego de sacrificar un sábado con su hijo por cubrir un turno laboral, debe soportar la misteriosa desaparición del niño de 9 años a quien buscará sin importar los esfuerzos ni las injusticias de las que será víctima, al tener poco apoyo de un departamento de policía sombrío y de actividades poco sanas.
Clint Eastwood lo hace una vez más, quizás no con la maestría de “Rio Mistico”, “Los Imperdonables”, o “Million Dollar Baby” que al igual que “El Sustituto” es protagonizada por una mujer, presentándonos una cinta que si no es por su dirección y sello creativo habría naufragado como otro drama más de la industria del cine.
Con gran acierto Eastwood nos muestra una historia protagonizada por un personaje femenino que se encarga de desmentir ese equivoco slogan machista sobre el supuesto sexo débil. Christine Collins va paso a paso irguiéndose sobre la pena y el dolor de la pérdida de su hijo, y la impotencia al ver la inoperancia de policías que son quienes debían ayudarla. A medida que las lágrimas derramadas van humedeciendo sus huellas, va edificando una coraza producto de la desolación e incompetencia de las puertas que se cierran en sus narices y sobretodo alimentando su insaciable hambre de verdad con incalculable fuerza ante las injusticias de que es victima, con las cuales se persigue humillarla y disminuirla, rebajarla a la mas baja condición humana, pero que equívocamente solo logran temple en su carácter convirtiéndola en una heroína cívica y terrible dolor de cabeza para quienes quieren callarla, entes sociales corruptos y despiadados producto de la situación económica extrema de principios de los 30s y de ese extraño gen que lleva a la potencia del norte a fabricar asesinos en serie como ningún otro país. Lejos de ahí, en un desvencijado granero la verdad es brutal y de un horror único.
En “El Sustituto” Eastwood, pese a su cercanía con la derecha y algunos ideales de extremo patriotismo, logra reflejar de manera objetiva el verdadero semblante de un departamento de policía podrido desde sus raíces, liderado por ególatras seres entusiasmados solo en el cumplimiento de sus metas al costo que sea. Asimismo enaltece a la protagonista gracias el tesón con que lleva a cabo su incansable búsqueda y a su sed de justicia.
“El Sustituto” es un drama de gran factura, con actuaciones de gran interés, sobretodo la de Jason Butler Harner, como Gordon Northcolt, campesino sudoroso, bestial y despreciable, un trabajo fotográfico de calidad y una ambientación histórica notable que llevan al espectador a adentrarse en la trama de la película, ubicándonos en un escenario socio-temporal que permite analizar más eficientemente las acciones de los personajes y sus consecuencias.
Precisamente fue la incansable búsqueda de su hijo, la justicia y la verdad lo que llevó a Christine a encontrar la tan anhelada tranquilidad, tranquilidad con la sociedad y consigo mismo, una mujer que protegiendo y buscando lo que más amaba no desestimó en gastar su vida, en consumir cada segundo de su existencia en pos de la meta que mantenía su corazón bombeando, una indagación cuyo tesón y coraje sólo pueden entender las madres cuando han extrañado siquiera un par de minutos a sus queridos pequeños al desconocer sus paraderos.
Para Christine Collins la cosa no fue distinta. Basado en un hecho verídico ocurrido en 1928, “El Sustituto”, narra la historia de Collins, interpretada por Angelina Jolie, una joven madre soltera que trabaja como supervisora en la compañía de teléfonos de California, quien luego de sacrificar un sábado con su hijo por cubrir un turno laboral, debe soportar la misteriosa desaparición del niño de 9 años a quien buscará sin importar los esfuerzos ni las injusticias de las que será víctima, al tener poco apoyo de un departamento de policía sombrío y de actividades poco sanas.
Clint Eastwood lo hace una vez más, quizás no con la maestría de “Rio Mistico”, “Los Imperdonables”, o “Million Dollar Baby” que al igual que “El Sustituto” es protagonizada por una mujer, presentándonos una cinta que si no es por su dirección y sello creativo habría naufragado como otro drama más de la industria del cine.
Con gran acierto Eastwood nos muestra una historia protagonizada por un personaje femenino que se encarga de desmentir ese equivoco slogan machista sobre el supuesto sexo débil. Christine Collins va paso a paso irguiéndose sobre la pena y el dolor de la pérdida de su hijo, y la impotencia al ver la inoperancia de policías que son quienes debían ayudarla. A medida que las lágrimas derramadas van humedeciendo sus huellas, va edificando una coraza producto de la desolación e incompetencia de las puertas que se cierran en sus narices y sobretodo alimentando su insaciable hambre de verdad con incalculable fuerza ante las injusticias de que es victima, con las cuales se persigue humillarla y disminuirla, rebajarla a la mas baja condición humana, pero que equívocamente solo logran temple en su carácter convirtiéndola en una heroína cívica y terrible dolor de cabeza para quienes quieren callarla, entes sociales corruptos y despiadados producto de la situación económica extrema de principios de los 30s y de ese extraño gen que lleva a la potencia del norte a fabricar asesinos en serie como ningún otro país. Lejos de ahí, en un desvencijado granero la verdad es brutal y de un horror único.
En “El Sustituto” Eastwood, pese a su cercanía con la derecha y algunos ideales de extremo patriotismo, logra reflejar de manera objetiva el verdadero semblante de un departamento de policía podrido desde sus raíces, liderado por ególatras seres entusiasmados solo en el cumplimiento de sus metas al costo que sea. Asimismo enaltece a la protagonista gracias el tesón con que lleva a cabo su incansable búsqueda y a su sed de justicia.
“El Sustituto” es un drama de gran factura, con actuaciones de gran interés, sobretodo la de Jason Butler Harner, como Gordon Northcolt, campesino sudoroso, bestial y despreciable, un trabajo fotográfico de calidad y una ambientación histórica notable que llevan al espectador a adentrarse en la trama de la película, ubicándonos en un escenario socio-temporal que permite analizar más eficientemente las acciones de los personajes y sus consecuencias.
Precisamente fue la incansable búsqueda de su hijo, la justicia y la verdad lo que llevó a Christine a encontrar la tan anhelada tranquilidad, tranquilidad con la sociedad y consigo mismo, una mujer que protegiendo y buscando lo que más amaba no desestimó en gastar su vida, en consumir cada segundo de su existencia en pos de la meta que mantenía su corazón bombeando, una indagación cuyo tesón y coraje sólo pueden entender las madres cuando han extrañado siquiera un par de minutos a sus queridos pequeños al desconocer sus paraderos.
Sunday, March 15, 2009
Desempolvando la rudeza y las cursilerías del fútbol
(Publicado en Intercomunicados del 13-03-09. Acá el writer´s cut).“El amor a la madre y el amor a la camiseta son la misma cosa, la vieja es nuestra primera identidad, por su amor se lucha como por la vida, todo hincha quiere demostrar que nadie ama la camiseta como él y todo hijo sabe que nadie ama a la vieja como él”.
Carlos Cuarón ya nos había deleitado con una historia potente, de esas que llegan al espectador por representar algo que perfectamente podrían haber protagonizado o, al menos, vivido de cerca. A 8 años de “Y tu Mamá También”, película dirigida por su hermano mayor Alfonso (“Harry Potter y el prisionero de Azkaban”, “Children of Men”) y donde Carlos estuvo nominado al Oscar por mejor guión, el menor de los Cuarón nos vuelve a sorprender con una historia bien estructurada, ahora a cargo de la dirección y bajo la producción de Cha Cha Chá Producciones, empresa formada por su hermano Alfonso, Guillermo del Toro y Alejandro González Iñárritu, “los tres amigos”, todos directores mexicanos con participación en la industria hollywoodense actual. Esto sumado a los roles protagónicos de Gael García Bernal y Diego Luna, quienes no trabajaban juntos desde “Y tu Mamá También”, hacen que Rudo & Cursi cuente con una participación importante de la Armada Mexicana o “Mexiwood”, que de cierta forma se ha arrendado a la industria manteniendo la libertad creativa del cine mexicano y latinoamericano en general.
Rudo & Cursi, apodos de los personajes interpretados por Diego Luna y Gael García Bernal, son dos hermanos que combinan su trabajo como campesinos bananeros de un pobre pueblo perdido en los interiores de México con su pasión por el fútbol, jugando en el equipo del barrio. Rudo las hace de arquero donde se ganó su apodo en base a la fiereza con que defiende su arco y para quien el fútbol puede ser el camino para salir de la pobreza, Cursi en cambio, ve el balompié solo como una diversión que indirectamente le puede llevar a su verdadera pasión que es cantar rancheras norteñas de su país. Sorpresivamente la aparición en el pueblo de un cazatalentos futbolísticos, interpretado por el actor argentino Guillermo Francella, cambia el destino de estos dos hermanos que de la mano de Batuta (Francella) llegan a la primera división mexicana y a la selección de ese país, alcanzando la fama en un abrir y cerrar de ojos, el dinero y todo aquello que para ellos no eran más que delirios utópicos de un imposible estándar de vida.
Rudo & Cursi no es una película de deportes, más bien es una anti-sport movie que bajo el formato de drama / comedia nos va mostrando la lucha de estos dos hermanos bajo las presiones del fútbol profesional, como la mafia de este deporte atrapa a dos hombres que de un momento a otro se convierten en estrellas y la imposibilidad de asimilar esta nueva realidad y mantenerla en el tiempo. Dato curioso: Carlos Cuarón tenía en mente la idea de esta película hace un par de años, originalmente sería un falso documental sobre un futbolista de origen humilde que alcanza la fama de golpe, luego una mala racha lo hace desaparecer y de paso lo convierte en leyenda. Le comentó sobre el proyecto a García Bernal y Luna, ambos querían el papel, por lo que decidió crear al otro personaje y contar la historia de estos dos hermanos.
Batuta, el personaje interpretado por Guillermo Francella comenta a modo de homenaje: “Penalty significa castigo, el castigo suele ser solo para uno, el que falla; el que acierta alcanza la gloria; si ambos resultan castigados entonces significa que el juego de la vida, que es el más grande, le ganó al juego del fútbol, que es el mas bello”.
Para todos aquellos que de cierta forma viven domingo a domingo el fervor del mundo del fútbol de barrio, algunos como jugadores y otros desde las gradas, Rudo & Cursi es una película que mas que entretención, entrega la oportunidad de embalarse en la historia de estos personajes tan cercanos, siendo participes de esa complicidad que entre otras cosas sólo logran las pichangas de barrio.
Carlos Cuarón ya nos había deleitado con una historia potente, de esas que llegan al espectador por representar algo que perfectamente podrían haber protagonizado o, al menos, vivido de cerca. A 8 años de “Y tu Mamá También”, película dirigida por su hermano mayor Alfonso (“Harry Potter y el prisionero de Azkaban”, “Children of Men”) y donde Carlos estuvo nominado al Oscar por mejor guión, el menor de los Cuarón nos vuelve a sorprender con una historia bien estructurada, ahora a cargo de la dirección y bajo la producción de Cha Cha Chá Producciones, empresa formada por su hermano Alfonso, Guillermo del Toro y Alejandro González Iñárritu, “los tres amigos”, todos directores mexicanos con participación en la industria hollywoodense actual. Esto sumado a los roles protagónicos de Gael García Bernal y Diego Luna, quienes no trabajaban juntos desde “Y tu Mamá También”, hacen que Rudo & Cursi cuente con una participación importante de la Armada Mexicana o “Mexiwood”, que de cierta forma se ha arrendado a la industria manteniendo la libertad creativa del cine mexicano y latinoamericano en general.
Rudo & Cursi, apodos de los personajes interpretados por Diego Luna y Gael García Bernal, son dos hermanos que combinan su trabajo como campesinos bananeros de un pobre pueblo perdido en los interiores de México con su pasión por el fútbol, jugando en el equipo del barrio. Rudo las hace de arquero donde se ganó su apodo en base a la fiereza con que defiende su arco y para quien el fútbol puede ser el camino para salir de la pobreza, Cursi en cambio, ve el balompié solo como una diversión que indirectamente le puede llevar a su verdadera pasión que es cantar rancheras norteñas de su país. Sorpresivamente la aparición en el pueblo de un cazatalentos futbolísticos, interpretado por el actor argentino Guillermo Francella, cambia el destino de estos dos hermanos que de la mano de Batuta (Francella) llegan a la primera división mexicana y a la selección de ese país, alcanzando la fama en un abrir y cerrar de ojos, el dinero y todo aquello que para ellos no eran más que delirios utópicos de un imposible estándar de vida.
Rudo & Cursi no es una película de deportes, más bien es una anti-sport movie que bajo el formato de drama / comedia nos va mostrando la lucha de estos dos hermanos bajo las presiones del fútbol profesional, como la mafia de este deporte atrapa a dos hombres que de un momento a otro se convierten en estrellas y la imposibilidad de asimilar esta nueva realidad y mantenerla en el tiempo. Dato curioso: Carlos Cuarón tenía en mente la idea de esta película hace un par de años, originalmente sería un falso documental sobre un futbolista de origen humilde que alcanza la fama de golpe, luego una mala racha lo hace desaparecer y de paso lo convierte en leyenda. Le comentó sobre el proyecto a García Bernal y Luna, ambos querían el papel, por lo que decidió crear al otro personaje y contar la historia de estos dos hermanos.
Batuta, el personaje interpretado por Guillermo Francella comenta a modo de homenaje: “Penalty significa castigo, el castigo suele ser solo para uno, el que falla; el que acierta alcanza la gloria; si ambos resultan castigados entonces significa que el juego de la vida, que es el más grande, le ganó al juego del fútbol, que es el mas bello”.
Para todos aquellos que de cierta forma viven domingo a domingo el fervor del mundo del fútbol de barrio, algunos como jugadores y otros desde las gradas, Rudo & Cursi es una película que mas que entretención, entrega la oportunidad de embalarse en la historia de estos personajes tan cercanos, siendo participes de esa complicidad que entre otras cosas sólo logran las pichangas de barrio.
Sunday, March 08, 2009
¿Que se necesita para encontrar un amor perdido?
(Publicado en Intercomunicados, edición del 06-03-09. Acá el writer´s cut.)En un húmedo calabozo de Mumbay es torturado el joven Jamal Malik. El motivo, estar a una pregunta de llevarse el premio máximo del mundialmente conocido programa concurso ¿Quien quiere ser millonario?
Slumdog Millionaire, dirigida por Danny Boyle director de la gran Trainspotting, narra como el joven Jamal, un huérfano mas de los tugurios de Dharavi en Mumbay, llega a participar, producto de los vaivenes del destino ya escrito, en el programa concurso donde pregunta a pregunta va encontrando las respuestas en base a lo que la escuela de la vida ha ido forjando en él.
Jamal, producto de su escasa educación y al exceder las pocas expectativas que el publico tiene en él, es capturado e interrogado por la policía a fin de que delate al supuesto cómplice que le sopla las respuestas, ya que es imposible a juicio de los productores del programa que un perro de los slum, tugurios marginales de Mumbay, las conozca.
Slumdog Millionaire es la gran triunfadora de los recientes Oscar, (se llevó 8 premiaciones entre ellas Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Adaptado, Mejor Banda Sonora) y de las premiaciones del séptimo arte en general, ganó el Globo de Oro a mejor película, mejor director, mejor guión y mejor banda sonora, además de los premios Bafta.
Danny Boyle, (Trainspotting, Exterminio) plasma en este drama urbano la soledad, el desamparo y la mezquindad de la sociedad India contemporánea, a través del relato de la difícil vida del joven Jamal inserto en el duro ambiente de los tugurios de Mumbay donde la ley del mas fuerte y el desapego por los valores de comportamiento humano se desvanece entre la bruma de las acciones que fundamentan el sobrevivir..
Slumdog Millionaire generó duras críticas en el ambiente cinéfilo indio en base a que su mirada occidentalista reincidía en los estereotipos que recalcaban la pobreza y los anti valores de la sociedad oriental. De hecho llegó ser acusada de plamar “pornografía de la pobreza”. Numerosos fueron las manifestaciones en Mumbay por parte de los habitantes de los tugurios para que la palabra “perro” fuera sacada del título, ya que para ellos era considerado un apelativo peyorativo.
Con un lenguaje interesante como puesta en escena, el relato nos ubica en tres espacios temporales distintos donde en base a raccontos y flashbacks alternados con su presente, se nos va entramando la historia del joven Jamal, acompañada de los acordes de una banda sonora que combina de gran forma el viejo oriente con una mirada a la India actual. Filmada totalmente en Mumbay y con actores originarios de ese país, Slumdog Millionaire es un gran tributo al cine indio y el punto de partida para que los directores occidentales pongan sus ojos en el productivo y poco conocido Bollywood, la gran industria fílmica de India, que por razones de distribución no llega a este delgado confín del planeta. Un desenlace curioso para films occidentales brindan a Slumdog un sabor agradable, una brisa tenue que nos roza la cara y nos hace sonreír a pesar de lo duro que puede ser matricularse en la escuela de la vida, esa que a veces solo los perros de los tugurios aprueban.
Slumdog Millionaire, dirigida por Danny Boyle director de la gran Trainspotting, narra como el joven Jamal, un huérfano mas de los tugurios de Dharavi en Mumbay, llega a participar, producto de los vaivenes del destino ya escrito, en el programa concurso donde pregunta a pregunta va encontrando las respuestas en base a lo que la escuela de la vida ha ido forjando en él.
Jamal, producto de su escasa educación y al exceder las pocas expectativas que el publico tiene en él, es capturado e interrogado por la policía a fin de que delate al supuesto cómplice que le sopla las respuestas, ya que es imposible a juicio de los productores del programa que un perro de los slum, tugurios marginales de Mumbay, las conozca.
Slumdog Millionaire es la gran triunfadora de los recientes Oscar, (se llevó 8 premiaciones entre ellas Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Adaptado, Mejor Banda Sonora) y de las premiaciones del séptimo arte en general, ganó el Globo de Oro a mejor película, mejor director, mejor guión y mejor banda sonora, además de los premios Bafta.
Danny Boyle, (Trainspotting, Exterminio) plasma en este drama urbano la soledad, el desamparo y la mezquindad de la sociedad India contemporánea, a través del relato de la difícil vida del joven Jamal inserto en el duro ambiente de los tugurios de Mumbay donde la ley del mas fuerte y el desapego por los valores de comportamiento humano se desvanece entre la bruma de las acciones que fundamentan el sobrevivir..
Slumdog Millionaire generó duras críticas en el ambiente cinéfilo indio en base a que su mirada occidentalista reincidía en los estereotipos que recalcaban la pobreza y los anti valores de la sociedad oriental. De hecho llegó ser acusada de plamar “pornografía de la pobreza”. Numerosos fueron las manifestaciones en Mumbay por parte de los habitantes de los tugurios para que la palabra “perro” fuera sacada del título, ya que para ellos era considerado un apelativo peyorativo.
Con un lenguaje interesante como puesta en escena, el relato nos ubica en tres espacios temporales distintos donde en base a raccontos y flashbacks alternados con su presente, se nos va entramando la historia del joven Jamal, acompañada de los acordes de una banda sonora que combina de gran forma el viejo oriente con una mirada a la India actual. Filmada totalmente en Mumbay y con actores originarios de ese país, Slumdog Millionaire es un gran tributo al cine indio y el punto de partida para que los directores occidentales pongan sus ojos en el productivo y poco conocido Bollywood, la gran industria fílmica de India, que por razones de distribución no llega a este delgado confín del planeta. Un desenlace curioso para films occidentales brindan a Slumdog un sabor agradable, una brisa tenue que nos roza la cara y nos hace sonreír a pesar de lo duro que puede ser matricularse en la escuela de la vida, esa que a veces solo los perros de los tugurios aprueban.
Friday, February 27, 2009
Sucumbiendo al Retrovertigo...
(Publicado en InterComunicados Nº5, 27-02-09)"La vida solo tiene sentido yendo hacia atrás, pero hay que vivirla hacia adelante"
La reivindicación de la vejez, el viaje como puerta de escape y punto de partida, y el tremendo drama de soportar el paso del tiempo como un río tormentoso cuyo destino final es un mar pueril, convergen en “El Curioso Caso de Benjamín Button”: Protagonizada por Brad Pitt y Cate Blanchett, la película es, de cierta forma, en cuanto a desarrollo trágico, drama, dosis de humor y carga emocional, la Forrest Gump de la presente década. Con 13 nominaciones en los premios Oscar del pasado fin de semana, (ganó 3, mejor dirección artística, mejor maquillaje, mejores efectos visuales) es la culminación de un proyecto que hace años venía en carpeta de distintos realizadores cayendo finalmente en manos de David Fincher, uno de los directores más interesantes del Hollywood actual quien nos muestra una faceta un tanto desconocida en sus trabajos anteriores (El Club de la Pelea, Los Siete Pecados Capitales) al sumar los esfuerzos técnicos a un desarrollo artístico de gran carga emocional donde gracias al enorme trabajo de los protagonistas la obra se nutre de un alarde de sensibilidad creíble a flor de piel sembrando emociones de carne y hueso en los espectadores. La fantasía, el romance, la sensibilidad argumental, y el drama son los ingredientes que Fincher utiliza para narrar la historia normal de un individuo que no lo es tanto.
Basada en un relato de los años 20 de F. Scott Fitzgerald, e inspirado en una famosa cita de Mark Twain según la cual nuestra vida sería más alegre si naciéramos con 80 años y fuéramos rejuveneciendo, la obra narra el drama de quien en vez de ir hacia el mismo destino de sus semejantes y sobre todo de sus mas amados, va contra la corriente natural de la vida, desafiando el paso del tiempo y el espacio, en un constante viaje puño a puño en la vida de un hombre que ve pasar el tiempo en el sentido contrario de las agujas del reloj.
Una película que nos muestra entre otras cosas, una historia de amor inmune al paso del tiempo, reciproca y tan comprometida como pocas. Una metáfora contraria al devenir de los años como el enemigo silencioso que día a día nos gana la batalla, una espectacular historia donde el momento sublime de morir es tan o más importante que el primer mirar a los ojos de la figura materna bajo su reconfortante abrigo.
La reivindicación de la vejez, el viaje como puerta de escape y punto de partida, y el tremendo drama de soportar el paso del tiempo como un río tormentoso cuyo destino final es un mar pueril, convergen en “El Curioso Caso de Benjamín Button”: Protagonizada por Brad Pitt y Cate Blanchett, la película es, de cierta forma, en cuanto a desarrollo trágico, drama, dosis de humor y carga emocional, la Forrest Gump de la presente década. Con 13 nominaciones en los premios Oscar del pasado fin de semana, (ganó 3, mejor dirección artística, mejor maquillaje, mejores efectos visuales) es la culminación de un proyecto que hace años venía en carpeta de distintos realizadores cayendo finalmente en manos de David Fincher, uno de los directores más interesantes del Hollywood actual quien nos muestra una faceta un tanto desconocida en sus trabajos anteriores (El Club de la Pelea, Los Siete Pecados Capitales) al sumar los esfuerzos técnicos a un desarrollo artístico de gran carga emocional donde gracias al enorme trabajo de los protagonistas la obra se nutre de un alarde de sensibilidad creíble a flor de piel sembrando emociones de carne y hueso en los espectadores. La fantasía, el romance, la sensibilidad argumental, y el drama son los ingredientes que Fincher utiliza para narrar la historia normal de un individuo que no lo es tanto.
Basada en un relato de los años 20 de F. Scott Fitzgerald, e inspirado en una famosa cita de Mark Twain según la cual nuestra vida sería más alegre si naciéramos con 80 años y fuéramos rejuveneciendo, la obra narra el drama de quien en vez de ir hacia el mismo destino de sus semejantes y sobre todo de sus mas amados, va contra la corriente natural de la vida, desafiando el paso del tiempo y el espacio, en un constante viaje puño a puño en la vida de un hombre que ve pasar el tiempo en el sentido contrario de las agujas del reloj.
Una película que nos muestra entre otras cosas, una historia de amor inmune al paso del tiempo, reciproca y tan comprometida como pocas. Una metáfora contraria al devenir de los años como el enemigo silencioso que día a día nos gana la batalla, una espectacular historia donde el momento sublime de morir es tan o más importante que el primer mirar a los ojos de la figura materna bajo su reconfortante abrigo.
Monday, January 19, 2009
Sin Aliento
(Escrito a petición de Cluster de Arcoiris para el Ciclo de Cine de Autor en el centro social y cultural El Sindicato. Acá el Writer´s Cut.)Sin Aliento (1959)
Un ladrón de automóviles y una estudiante de periodismo newyorkina a la velocidad que puede tomar un convertible por las calles de Paris, van entramando una historia vertiginosa de encuentros y desencuentros donde la complejidad tácita resulta ser la imposibilidad de comunicarse. Michel, un delincuente de poca monta perseguido por un asesinato, inmiscuido en negocios oscuros, que desplaza a Patricia, la joven estudiante estadounidense, a su ritmo vertiginoso de robos y mentiras, con el sólo deseo de que ésta le acompañe a un destino tan oscuro como sus acciones. Patricia, por su parte, no es más que una muchacha que ve en él algo similar a una compañía a toda prueba, contradicción exasperante de una compañía distante que explota hasta el hartazgo. Michel y Patricia, una pareja de simpleza absoluta en una ciudad que se les daba a bien, donde ambos temen acercarse mucho al hilo débil de la soga que sostiene sus vidas.
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